Российский общеобразовательный портал
Российский общеобразовательный портал
Министерство образования и науки РФ
ГлавнаяКаталогДобавить ресурс Поиск по каталогу: простой / расширенный
Коллекция: мировая художественная культура Коллекция: мировая художественная культура Коллекция: русская и зарубежная литература для школыМузыкальная коллекцияКоллекция: исторические документыКоллекция: естественнонаучные экспериментыКоллекция: право в сфере образованияКоллекция: диктанты - русский языкКоллекция: история образованияКоллекция по зоологии

Каталог ресурсов » XIII в. » СТАТЬИ


Искусство Возрождения в Италии, XIII—XVI вв.
Эпоха, стиль, направление маньеризм, Проторенессанс, Раннее Возрождение, Высокое Возрождение, Позднее Возрождение
Образовательный уровень основная школа, самообразование
Библиография Рачеева Е. П. Великие итальянские художники. — М.: «ОЛМА-ПРЕСС Образование», 2005; Всеобщая история искусств. — Т. 3. — М., 1962; Лазарев В.Н. Происхождение итальянского Возрождения. — Т. 1—3. — М., 1956—79; Лазарев В.Н. Старые итальянские мастера. — М., 1972; Бернсон Б. Живописцы итальянского Возрождения / Пер. с англ. —М., 1965; Ротенберг Е. Искусство Италии. — М., 1974; Любимов Л.Д. Искусство Западной Европы: Средние века. Возрождение в Италии. — М.: Просвещение, 1976; Виппер Б.Р. Итальянский Ренессанс XIII—XVI вв. Курс лекций. — Т. 1—2. — М., 1977; Дворжак М. История итальянского искусства в эпоху Возрождения. Курс лекций / Пер. с нем. — Т. 1—2. — М: Искусство, 1978; Степанов А. В. Искусство эпохи Возрождения. Италия. XIV—XV века. — СПб: Азбука-классика, 2003; Вазари Дж. Жизнеописания знаменитых ваятелей и зодчих: Альберти, Микеланджело и другие / Пер. с ит. А. Венедиктова, А. Габричевского. — СПб: Азбука-классика, 2006; Вазари Дж. Жизнеописания знаменитых ваятелей и зодчих: Пизано, Гиберти и другие / Пер. с ит. А. Венедиктова, А. Габричевского. — СПб: Азбука-классика, 2006; Лазарев В.Н. Начало Раннего Возрождения в итальянском искусстве. — М.: Искусство, 1979.
Источники Популярная художественная энциклопедия. М.: Советская энциклопедия, 1986; Энциклопедия для детей. Т. 7. Искусство. Ч. 1 / Глав. ред. М. Д. Аксенова. — М.: Аванта+, 2003.


         Искусство Возрождения возникло на основе гуманизма (от латинского humanus — «человечный») — течения общественной мысли, которое зародилось в XIV в. в Италии, а затем на протяжении второй половины XV и в XVI вв. распространилось в других европейских странах. Гуманизм провозгласил высшей ценностью человека и его благо. Последователи этого течения считали, что каждый человек имеет право свободно развиваться как личность, реализуя свои способности. Идеи гуманизма наиболее полно и ярко воплотились в искусстве, главной темой которого стал прекрасный, гармонически развитый человек, обладающий неограниченными духовными и творческими возможностями. Гуманистов вдохновляла античность, служившая для них источником знаний и образцом художественного творчества. Великое прошлое Италии, постоянно напоминавшее о себе, воспринималось в то время как высшее совершенство, в то время как искусство Средних веков казалось неумелым и варварским. Термин «возрождение», возникший в XVI в., означал рождение нового искусства, возрождающего классическую античную культуру. Тем не менее искусство Ренессанса многим обязано художественной традиции Средних веков. Старое и новое находились в нерасторжимой связи и противоборстве. При всем противоречивом многообразии своих истоков искусство Возрождения отмечено глубокой и принципиальной новизной. Оно заложило основы европейской культуры Нового времени. Все основные виды искусства — живопись и графика, скульптура, архитектура — чрезвычайно изменились.
         В архитектуре утвердились творчески переработанные принципы античной ордерной системы, сложились новые типы общественных зданий. Живопись обогатилась линейной и воздушной перспективой, знанием анатомии и пропорций человеческого тела. В традиционную религиозную тематику произведений искусства проникало земное содержание. Усилился интерес к античной мифологии, истории, бытовым сценам, пейзажу, портрету. Наряду с монументальными настенными росписями, украшавшими архитектурные сооружения, появилась картина; возникла живопись масляными красками.
         Искусство еще не перестало быть ремеслом, однако на первое место уже выступила творческая индивидуальность художника, деятельность которого в то время была весьма многообразной. Поразительна универсальная одаренность мастеров Ренессанса — они часто работали одновременно в области архитектуры, скульптуры и живописи, совмещали увлечение литературой, поэзией и философией с изучением точных наук. Понятие творчески богатой, или «ренессансной» личности стало впоследствии нарицательным.
         В искусстве Возрождения тесно переплелись пути научного и художественного постижения мира и человека. Его познавательный смысл был неразрывно связан с возвышенной поэтической красотой, в своем стремлении к естественности оно не опускалось до мелочной повседневности. Искусство стало всеобщей духовной потребностью.
         Формирование ренессансной культуры в Италии происходило в экономически независимых городах. В подъеме и расцвете искусства Возрождения большую роль сыграли Церковь и великолепные дворы некоронованных государей — правящих богатых семейств, которые были крупнейшими покровителями и заказчиками произведений живописи, скульптуры и архитектуры. Главными центрами культуры Возрождения сначала были города Флоренция, Сиена, Пиза, затем — Падуя, Феррара, Генуя, Милан и позже всех, во второй половине XV в., — богатая купеческая Венеция. В XVI в. столицей итальянского Возрождения стал Рим. Начиная с этого времени, все прочие центры культуры, кроме Венеции, утратили прежнее значение.
         В эпохе итальянского Возрождения принято выделять несколько периодов: Проторенессанс (вторая половина XIII—XIV вв.), Раннее Возрождение (XV в.), Высокое Возрождение (конец XV — первая треть XVI в.) и Позднее Возрождение (последние две трети XVI в.).

Проторенессанс


         В итальянской культуре XIII—XIV вв. на фоне еще сильных византийских и готических традиций стали появляться черты нового искусства — которое впоследствии станет именоваться искусством Возрождения. Поэтому этот период его истории и назвали Проторенессансом (от греч. «протос» — «первый», т.е. подготовивший наступление Ренессанса). Аналогичного переходного периода не было ни в одной из европейских стран. В самой же Италии проторенессансное искусство возникло и развивалось только в Тоскане и Риме.
         В итальянской культуре переплетались черты старого и нового. Последний поэт Средневековья и первый поэт новой эпохи Данте Алигьери (1265—1321) создал итальянский литературный язык. Начатое Данте продолжили другие великие флорентийцы XIV столетия — Франческо Петрарка (1304—1374), родоначальник европейской лирической поэзии, и Джованни Боккаччо (1313—1375), основоположник жанра новеллы (короткого рассказа) в мировой литературе. Гордостью эпохи являются архитекторы и скульпторы Никколо и Джованни Пизано, Арнольфо ди Камбио и живописец Джотто ди Бондоне.

Архитектура
         Итальянская архитектура в течение длительного времени следовала средневековым традициям, что выражалось, главным образом, в использовании большого количества мотивов готики (см. статью «Средневековое искусство Западной Европы»). Вместе с тем сама итальянская готика сильно отличалась от готической архитектуры северной Европы: она тяготела к спокойным крупным формам, ровному свету, горизонтальным членениям, широким поверхностям стен. Церковь Санта-Кроче, одна из самых больших во Флоренции, была начата Арнольфо ди Камбио в конце XIII в. (фасад создан в XIX в.). Храм отличается широкими пролетами, единством внутреннего пространства; вместо сложных готических сводов в нем использовано деревянное потолочное перекрытие. В 1296 г. во Флоренции начали строить собор Санта-Мария дель Фьоре. Арнольфо ди Камбио хотел увенчать алтарную часть собора огромным куполом. Однако после смерти зодчего в 1310 г. строительство затянулось, его завершили уже в период Раннего Возрождения. В 1334 г. по проекту Джотто было начато строительство колокольни собора, так называемой кампанилы — стройной прямоугольной башни с поэтажными горизонтальными членениями и изящными готическими окнами, стрельчатая арочная форма которых еще долго сохранялась в итальянской архитектуре.
         Среди наиболее известных городских дворцов — палаццо Веккьо (палаццо делла Синьория) во Флоренции. Предполагают, что его построил Арнольфо ди Камбио. Это тяжелый куб с высокой башней, облицованный рустом из твердого камня. Трехэтажный фасад украшен парными окнами, вписанными в полукруглые арки, что придает всему зданию впечатление сдержанной строгости. Здание определяет облик старого городского центра, суровой громадой вторгаясь на площадь. Монументальный дворец служил символом независимости Флоренции. Более нарядным выглядит ритмически организованное палаццо Публико в Сиене (1298—1310). Его фасад выходит на площадь дель Кампо, которая имеет вид амфитеатра, расположенного на склоне холма, и как нельзя лучше приспособлена для массовых публичных зрелищ. Это первый в Европе праздничный центр города, где устраивались турниры и театральные представления. И по сей день здесь происходят конные состязания между городскими округами.

Скульптура
         Раньше, чем в архитектуре и живописи, художественные искания наметились в скульптуре, и прежде всего в пизанской школе, основателем которой был Никколо Пизано (около 1220 — между 1278 и 1284). Никколо Пизано родился в Апулии, на юге Италии. Полагают, что ваянию он обучался именно в южных школах, где процветал дух возрождения классических традиций античности. Вне всякого сомнения, Никколо изучал скульптурное оформление позднеримских и раннехристианских саркофагов. Самая ранняя из ныне известных работ скульптора — шестиугольная мраморная кафедра, выполненная им для баптистерия в Пизе (1260), — стала выдающимся произведением ренессансной скульптуры и оказала огромное влияние на ее дальнейшее развитие. Главное достижение ваятеля состоит в том, что он сумел придать формам объемность и выразительность, а каждое изображение обладает телесной мощью.
         Из мастерской Никколо Пизано вышли замечательные мастера скульптуры Проторенессанса — его сын Джованни Пизано и Арнольфо ди Камбио, известный также как архитектор. Арнольфо ди Камбио (около 1245 — после 1310) тяготел к монументальной скульптуре, в которой использовал свои жизненные наблюдения. Одна из лучших работ, выполненная им совместно с отцом и сыном Пизано, — фонтан на площади Перуджи (1278). Фонте Маджоре, украшенный многочисленными статуями и рельефами, стал гордостью города. Запрещалось поить из него животных, брать воду в бочонки из-под вина или в немытую посуду. В городском музее сохранились фрагменты полулежащих фигур, выполненных Арнольфо ди Камбио для фонтана. В этих фигурах скульптор сумел передать все богатство движений человеческого тела.
         Особое место в истории итальянской скульптуры конца XIII — начала XIV вв. принадлежит Джованни Пизано (1245 или 1250 — после 1314). Ученик и помощник Никколо Пизано, он стал гораздо более известным мастером, чем его знаменитый отец. В произведениях Джованни было много нового и необычного. Почти ровесник Джотто, он являл собой полную противоположность мудрой сдержанности своего флорентийского современника. Джованни Пизано был ревностным почитателем готического искусства Франции. Исследователи полагают, что он посетил эту страну и был потрясен великолепием и выразительностью ее архитектуры и скульптуры. Однако эмоциональность, неистощимую фантазию, страстность произведений Джованни Пизано невозможно объяснить только подражанием прекрасным образцам. Названные качества свидетельствуют о его богатой, пылкой натуре, об особенностях его мировосприятия. Творчество Джованни Пизано — редкий пример искусства, которое опережало свое время, закладывая основы будущих достижений.

Живопись
         В искусстве итальянского Возрождения настенная живопись занимала господствующее место. Она выполнялась в технике фрески. Приготовленными на воде красками писали либо по сырой штукатурке (собственно фреска), либо по сухой — эта техника называется «а секко» (в переводе с итальянского — «по сухому»). Основное связующее вещество штукатурки — известь. Т.к. для высыхания извести требуется немного времени, фресковая роспись должна была выполняться быстро, нередко по частям, между которыми оставались соединительные швы. Со второй половины XV в. технику фрески стали дополнять живописью а секко; последняя позволяла работать более медленно и допускала отделку деталей. Работе над росписями предшествовало изготовление синопий — вспомогательных рисунков, нанесенных под фреску по первому слою штукатурки. Эти рисунки выполнялись красной охрой, которая добывалась из глины близ города Синоп, располагавшегося на берегу Черного моря. По названию города краску называли синопской, или синопией, впоследствии так же стали называться и сами рисунки. Синопии применялись в итальянской живописи с XIII до середины XV в. Однако не все живописцы прибегали к помощи синопий — например, Джотто ди Бондоне, виднейший представитель эпохи Проторенессанса, обходился без них. Постепенно от синопий отказались. С середины XV в. широкое распространение в живописи получили картоны — выполненные на бумаге или на ткани подготовительные рисунки в размере будущих произведений. Контуры рисунка переносили на влажную штукатурку с помощью угольной пыли. Ее продували через проколотые в контуре дырочки и вдавливали в штукатурку каким-либо острым инструментом. Иногда синопии из эскизного наброска превращались в законченный монументальный рисунок, а картоны приобретали значение самостоятельных произведений живописи.
         Одним из самых ценных источников сведений о жизни и творчестве итальянских художников Возрождения служит внушительный труд «Жизнеописания наиболее знаменитых живописцев, ваятелей и зодчих», принадлежащий перу Джорджо Вазари (1511—1574), итальянского архитектора, живописца и историка искусства. Родоначальником нового итальянского стиля живописи Вазари называет Чимабуэ (собственно Ченни ди Пепо, ок. 1240 — ок. 1302). Чимабуэ был знаменит во Флоренции как мастер торжественной алтарной картины и иконы. Его образам свойственны отвлеченность и статичность. И хотя Чимабуэ в своем творчестве следовал византийским традициям, в своих работах он старался выразить земные чувства, смягчить жесткость византийского канона.
         Поиски нового гораздо решительнее обнаружили себя в произведениях Пьеро Каваллини (между 1240 и 1250 — около 1330), поклонника позднеантичной живописи. Каваллини жил и работал в Риме. Он является автором мозаик церкви Санта-Мария ин Трастевере (1291), а также фресок церкви Санта-Чечилия ин Трастевере (около 1293). В своих произведениях Каваллини придавал формам объемность и осязаемость.
         Достижения Каваллини перенял и продолжил Джотто ди Бондоне (1266 или 1267 — 1337), величайший художник Проторенессанса. С именем Джотто связан поворот в развитии итальянской живописи, ее разрыв со средневековыми художественными канонами и традициями итало-византийского искусства XIII в. Наиболее известные произведения Джотто — росписи капеллы дель Арена в Падуе (1304—06). Фрески отличаются наглядностью, незамысловатой повествовательностью, наличием бытовых деталей, придающих жизненность и естественность изображаемым сценам. Отвергнув господствовавший в искусстве того времени церковный канон, Джотто изображает своих персонажей похожими на реальных людей: с пропорциональными, приземистыми телами, круглыми (а не удлиненными) лицами, правильным разрезом глаз и т.п. Его святые не парят над землей, а прочно стоят на ней обеими ногами. Они помышляют скорее о земном, чем о небесном, переживая вполне человеческие чувства и эмоции. Впервые в истории итальянской живописи душевное состояние героев живописного произведения передается мимикой лица, жестами, позой. Вместо традиционного золотистого фона на фресках Джотто изображен пейзаж, интерьер или скульптурные группы на фасадах базилик.
         После Джотто в развитии итальянской живописи произошел заметный спад. Во второй половине XIV в. на первое место выходит живописная школа Сиены. При всем богатстве и процветании этот тосканский город меньше, нежели Флоренцию, затронуло движение Ренессанса. Как писал историк и искусствовед П.П. Муратов, «Сиена всегда была беднее мыслью, но богаче чувством… В этом городе искусство не было призвано указывать путь человечеству, намечать линии всемирной истории духа, как это было с искусством во Флоренции. Оно было замкнуто в кругу простых верований и ясных непосредственных чувств».
         Дуччо ди Буонисенья (ок. 1255—1320), старший современник Джотто и основатель сиенской школы живописи, в своем творчестве придерживался традиций византийской иконописи (см. статью «Искусство Византии. Средний период. Середина IX в. — 1204 г.»). Его крупнейшая работа — огромный алтарный образ «Маэста» («Величие»). К кругу Дуччо принадлежал Симоне Мартини (ок. 1284—1344), крупнейший и наиболее изысканный мастер сиенской живописи XIV в. Росписи Симоне Мартини, украшающие зал Маппамондо (Карты Мира) в сиенском палаццо Публико, свидетельствуют о том, что несмотря на приверженность мастера к культуре поздней готики, в его творческом воображении рождались необычные образы («Маэста»). На противоположной стороне зала Симоне поместил фреску иного характера. В истории искусства она стала первым изображением конкретного исторического события с портретом современника. Это изображение «Кондотьера Гвидориччо да Фольяно», явившееся прототипом для многочисленных будущих конных портретов. Заслуженной известностью пользуется алтарный образ «Благовещение» кисти Симоне Мартини, ныне хранящийся в галерее Уффици во Флоренции.
         Знаменитыми представителями сиенской живописи XIV в. были братья Пьетро (ок. 1280 — ок. 1348) и Амброджо (нач. XIV в. — 1348) Лоренцетти. Старший из братьев, Пьетро, известен как создатель монументальных и драматических образов во фресковой живописи. Однако главенствующая роль в этом искусстве принадлежала Амброджо. Наиболее известными его работами являются фрески палаццо Публико со сценами «доброго» и «злого» правления.
         Заслугой сиенской школы стало создание изысканного типа женской красоты, представленного в упоминавшихся выше работах Симоне Мартини и Амброджо Лоренцетти: белокурые волосы, слегка вытянутое лицо, длинный нос, близко посаженные миндалевидные глаза. Этот тип, быть может не слишком привлекательный с современной точки зрения, был воспринят другими школами, повторяясь и варьируясь в различных центрах итальянского искусства.
         В последние десятилетия XIV в. Италия переживала тяжелые потрясения, связанные с упадком торговли, войнами и эпидемиями чумы, завезенной с Востока. Идея конца света, сопутствующая смене веков, широко распространилась в итальянском обществе, в котором нарастали мрачный пессимизм и мистические настроения. Редкий по выразительности памятник живописи того времени — огромная фреска «Триумф смерти» (1350—1360) в галерее кладбища Кампо Санто в Пизе. Авторы фрески точно не известны. В главной части композиции Смерть — крылатая седая старуха — летит с косой в руках к группе беззаботно развлекающихся в саду юношей и девушек, в то время как уродливые калеки, нищие и старики, жестикулируя и размахивая костылями, тщетно стараются обратить на себя ее внимание. В левой части росписи кавалькада нарядных всадников неожиданно натыкается на опушке леса на три открытых гроба с покойниками. Средневековая тема скоротечности жизни и безграничного могущества смерти все чаще возникала в европейской живописи, воплощаясь как в масштабных аллегорических композициях, так и в небольших натюрмортах.

Раннее Возрождение


         В XV в. искусство Италии заняло господствующее положение в художественной жизни Европы. Основы гуманистической светской (т.е. не церковной) культуры были заложены во Флоренции, оттеснившей на второй план Сиену и Пизу. Флоренцию того времени называли «цветком Италии, соперницей славного города Рима, от которого она произошла и величию которого подражает». Политическая власть принадлежала здесь купцам и ремесленникам, сильнейшее влияние на городские дела оказывали несколько богатых семейств, постоянно соперничавших друг с другом. Эта борьба закончилась в конце XIV в. победой банкирского дома Медичи. Его глава, Козимо Медичи, стал негласным правителем Флоренции. Ко двору Козимо Медичи (а затем и его внука Лоренцо, прозванного Великолепным) стекались писатели, поэты, ученые, архитекторы, художники. В архитектуре того времени произошел подлинный переворот — во Флоренции развернулось широкое строительство, значительно изменившее облик города.

Архитектура
         Родоначальником ренессансной архитектуры Италии стал Филиппо Брунеллески (1377—1446) — архитектор, скульптор и ученый, один из создателей научной теории перспективы. Величайшим инженерным достижением Брунеллески стало возведение купола собора Санта-Мария дель Фьоре во Флоренции. Благодаря своему математическому и техническому гению Брунеллески удалось решить сложнейшую для своего времени задачу. Главная трудность, которая встала перед мастером, была вызвана гигантским размером пролета средокрестья (42 м), что потребовало специальных усилий для облегчения распора. Брунеллески разрешил проблему путем применения остроумной конструкции: легкий пустотелый купол, состоящий из двух оболочек, каркасная система из восьми несущих ребер, связанных опоясывающими их кольцами, световой фонарь, замыкающий и нагружающий свод. Купол собора Санта-Мария дель Фьоре стал предшественником многочисленных купольных храмов в Италии и других странах Европы. Брунеллески одним из первых в зодчестве Италии творчески осмыслил и оригинально истолковал античную ордерную систему (Оспедале дельи Инноченти, 1421—44). Брунеллески положил начало созданию купольного храма на основе античного ордера (Старая сакристия церкви Сан-Лоренцо). Подлинной жемчужиной Раннего Возрождения стала созданная Брунеллески по заказу богатого флорентийского семейства капелла Пацци (начата в 1429). Гуманизм и поэтичность творчества Брунеллески, гармоничная соразмерность, легкость и изящество его построек, сохраняющих связь с традициями готики, творческая свобода и научная обоснованность его замыслов определили большое влияние Брунеллески на последующее развитие архитектуры Возрождения.
         Одним из главных достижений итальянской архитектуры XV в. стало создание нового типа городских дворцов, послужившего образцом для общественных зданий более позднего времени. Итальянские дворцы называются палаццо (от лат. palatium; отсюда произошло и русское слово «палаты»). Особенностями палаццо XV в. являются четкое разделение замкнутого объема здания на три этажа, открытый внутренний двор с летними поэтажными аркадами, применение руста, т.е. камня с грубо околотой или выпуклой лицевой поверхностью, для облицовки фасада, а также сильно вынесенный декоративный карниз. Ярким образцом этого стиля является капитальная постройка ученика Брунеллески и его одаренного последователя Микелоццо ди Бартоломмео (1396—1472), придворного архитектора семьи Медичи, — палаццо Медичи — Риккарди (1444—60), послужившее образцом при строительстве многих флорентийских дворцов.
         Творению Микелоццо близок палаццо Строцци (заложен в 1481), который связывают с именем архитектора и скульптора Бенедетто да Майано (1442—97). В некоторых деталях мастер еще следует традициям готики, однако в целом здание, отмеченное тонкой гармонией, создает впечатление законченности и элегантности.
         Среди различных вариантов отделки дворцов и вилл выделяется отделка зданий граненым камнем. Благодаря этому довольно редкому приему, называемому алмазной рустовкой, фасад здания выглядел более нарядным. Такой граненый камень был применен в конце XV в. в палаццо ден Диаманти в Ферраре; этого рода постройкам подражали зодчие Испании и Португалии. В России этим способом отделана знаменитая Грановитая палата в Московском Кремле, построенная итальянскими мастерами в 1487—91 гг.
         Особое место в истории итальянского зодчества занимает Леон Баттиста Альберти (1404—72). Всесторонне одаренный и широко образованный человек, он был одним из самых блестящих гуманистов своего времени. Круг его интересов был необычайно разнообразен. Он охватывал мораль и право, математику, механику, экономику, философию, поэзию, музыку, живопись, скульптуру, архитектуру. Блестящий стилист, Альберти оставил многочисленные труды на латинском и итальянском языках. По многогранности своей деятельности эта идеальная «ренессансная личность» сравнима лишь со всемирно известным мыслителем и художником Высокого Возрождения Леонардо да Винчи. В Италии и за ее пределами Альберти снискал себе славу выдающегося теоретика искусства. Его перу принадлежат знаменитые трактаты «Десять книг о зодчестве» (1449—52), «О живописи», «О статуе» (1435—36). Но главным призванием Альберти была архитектура. В архитектурном творчестве Альберти тяготел к смелым, экспериментаторским решениям, новаторски используя античное художественное наследие. Альберти создал новый тип городского дворца (палаццо Ручеллаи). В культовом зодчестве, стремясь к величию и простоте, Альберти использовал в оформлении фасадов мотивы римских триумфальных арок и аркад (церковь Сант-Андреа в Мантуе, 1472—94). Имя Альберти по праву считается одним из первых среди великих творцов культуры итальянского Возрождения. Его теоретические сочинения, его художественная практика, его идеи и, наконец, сама его личность гуманиста сыграли исключительно важную роль в становлении и развитии искусства Раннего Возрождения.
         На севере Италии развитие ренессансного искусства шло иными путями. На протяжении столетий интересы Венеции, процветающей торговой республики, были связаны преимущественно с Византией и другими странами Востока. Турецкие завоевания лишили венецианцев традиционных рынков, включив их в орбиту собственно итальянских интересов. Ренессансное движение проникало сюда медленно и постепенно. В искусстве Венеции еще долго господствовали византийские традиции и готическое влияние. Так, например, воздвигнутое в первой половине XV в. изысканное палаццо Ка’ д’Оро (Золотой дворец), получившее свое название по той причине, что часть убранства его фасада была позолочена, — еще сохраняет множество готических черт. Это знаменитое здание исследователи относят к так называемому этапу венецианской готики. К следующему этапу венецианского Раннего Возрождения принадлежит палаццо Вендрамин Калерджи (1481—1509), созданный Пьетро Ломбардо (ок. 1435 — 1515), главой семьи венецианских архитекторов, и Марко Кодуччо (ок. 1440 — 1504). Фасад дворца, так же как и фасад флорентийских палаццо, расчленен на три этажа, но в его центре выделена ажурная лоджия; подчеркнута также особая легкость, живописность, праздничность его архитектуры. Ломбардо и Кодуччо строили в Венеции и культовые здания. Нередко нарушая классические правила, они создавали декоративные и несколько фантастические фасады, облицованные цветным мрамором. Например, построенная ими небольшая церковь Санта-Мария деи Мираколи (1481—89), стоящая на тесной площади у края канала, напоминает драгоценный ларец. Новым типом венецианского общественного сооружения стала Скуола ди Сан-Марко (scuola в переводе с итал. — «школа») — здание религиозного благотворительного общества, служившее для просветительских целей.

Скульптура
         В XV в. итальянская скульптура, приобретшая самостоятельное, независимое от архитектуры значение, переживает расцвет. В практику художественной жизни начинают входить заказы богатых ремесленных и купеческих кругов на украшение общественных зданий; проводятся художественные конкурсы. Один из таких конкурсов — на изготовление из бронзы вторых северных дверей флорентийского баптистерия (1401) — считается знаменательным событием, открывшим новую страницу в истории итальянской ренессансной скульптуры. В этом конкурсе участвовал Филиппо Брунеллески, ставший впоследствии знаменитым архитектором. Однако победу одержал Лоренцо Гиберти (1381—1455). Один из самых образованных людей своего времени, первый историк итальянского искусства, блестящий рисовальщик, Гиберти посвятил свою жизнь одному виду скульптуры — рельефу. Главным принципом своего искусства Гиберти считал равновесие и гармонию всех элементов изображения. Вершиной творчества Гиберти явились восточные двери флорентийского баптистерия (1425—52), обессмертившие имя мастера. Декорация дверей включает десять квадратных композиций из позолоченной бронзы («Сотворение Адама и Евы»), своей необыкновенной выразительностью напоминающих живописные картины. Художнику удалось передать глубину пространства, насыщенного картинами природы, фигурками людей, архитектурными сооружениями. С легкой руки Микеланджело восточные двери флорентийского баптистерия стали называть «Вратами рая».
         Мастерская Гиберти стала школой для целого поколения художников, в частности, там работал знаменитый Донателло, великий реформатор итальянской скульптуры. Творчество Донателло (ок. 1386—1466), впитавшее демократические традиции культуры Флоренции XIV в., представляет собой одну из вершин развития искусства Раннего Возрождения. В нём воплотились свойственные искусству Ренессанса поиски новых, реалистических средств изображения действительности, пристальное внимание к человеку и его духовному миру. Донателло одним из первых художественно осмыслил опыт античного искусства и пришёл к созданию классических форм ренессансной скульптуры. Влияние творчества Донателло на развитие итальянского искусства эпохи Возрождения было огромным. Достижения Донателло были восприняты многими скульпторами и живописцами Возрождения — Паоло Уччелло, Андреа дель Кастаньо, Андреа Мантенья, а позднее — Микеланджело и Рафаэлем.
         Одним из крупнейших скульпторов первой половины XV в. был Якопо делла Кверча (1374—1438), старший современник Гиберти и Донателло. Его творчество, богатое многими открытиями, стояло как бы в стороне от общего пути, по которому развивалось искусство Ренессанса. Выполненные Кверча монументальные рельефы главного портала церкви Сан-Петронио в Болонье («Сотворение Адама») оказали значительное влияние на искусство Микеланджело.
         Второе поколение флорентийских скульпторов тяготело к более лирическому, умиротворенному, светскому искусству. Ведущая роль в нем принадлежала семейству скульпторов делла Роббиа. Глава семьи, Лукка делла Роббиа (1399/1400 — 1482), современник Брунеллески и Донателло, прославился применением глазурной техники в круглой скульптуре и рельефе, часто сочетая их с архитектурой. Техника глазури (майолики), известная с глубокой древности народам Передней Азии, в Средние века была завезена на Пиренейский полуостров и остров Майорку (откуда и пошло ее название), а затем широко распространилась в Италии. Лукка делла Роббиа создавал медальоны с рельефами на густо-синем фоне для зданий и алтарей, гирлянды из цветов и плодов, майоликовые бюсты Мадонны, Христа и святых. Жизнерадостное, нарядное, доброе искусство этого мастера получило заслуженное признание современников. Большого совершенства в технике майолики достиг также его племянник Андреа делла Роббиа (1435—1525) (рельефы на фасаде Оспедале дельи Инноченти).

Живопись
         Огромная роль, которую в архитектуре Раннего Возрождения сыграл Брунеллески, а в скульптуре — Донателло, в живописи принадлежала Мазаччо (1401—1428). Мазаччо умер молодым, не дожив до 27 лет, и тем не менее успел в живописи сделать очень многое. Известный историк искусства Виппер сказал: «Мазаччо — один из самых независимых и последовательных гениев в истории европейской живописи, основатель нового реализма…» Продолжая искания Джотто, Мазаччо смело порывает со средневековыми художественными традициями. Во фреске «Троица» (1426—27), созданной для церкви Санта-Мария Новелла во Флоренции, впервые в настенной живописи Мазаччо применяет полную перспективу. В росписях капеллы Бранкаччи церкви Санта-Мария дель Кармине во Флоренции (1425—28) — главном творении своей недолгой жизни — Мазаччо придает изображениям невиданную ранее жизненную убедительность, подчеркивает телесность и монументальность своих персонажей, мастерски передает эмоциональное состояние психологическую глубину образов. Во фреске «Изгнание из рая» художник решает сложнейшую для своего времени задачу изображения обнаженной человеческой фигуры. Суровое и мужественное искусство Мазаччо оказало огромное воздействие на художественную культуру Возрождения, в частности, на творчество Пьеро делла Франческа и Микеланджело.
         В творчестве Паоло Уччелло (1397—1475), принадлежавшего к поколению мастеров, работавших после смерти Мазаччо, своеобразной визитной карточкой стала тяга к поэтической сказочности и красочному декоративизму («Св. Георгий и дракон»). Созданные им монументальные исторические композиции явились одним из истоков европейского батального жанра нового времени («Битва при Сан-Романо»).
         Героический и монументальный характер образов Мазаччо и Донателло возродился в произведениях живописца Андреа дель Кастаньо (ок. 1421— 57). Согласно Вазари, Андреа дель Кастаньо был сыном крестьянина, жил в горах, получил суровое воспитание. И искусство его также отличается мужественностью, грубоватой простотой и немногословностью. Выполненный Кастаньо цикл росписей виллы Кардуччи (позднее — Пандольфини) в Леньяйа близ Флоренции — первый образец светской декорации.
         Развитие живописи Раннего Возрождения происходило неоднозначно: художники шли собственными, подчас разными путями. Одновременно с Андреа дель Кастаньо во Флоренции жил и работал его товарищ по мастерской Гиберти, известный живописец Беноццо Гоццоли (1420—97). Ученик художника Фра Анджелико (1400—50), он создал много красочных фресок на религиозные сюжеты. Беноццо прославился росписью капеллы в палаццо Медичи — Рикарди («Шествие волхвов»).
         Светское начало, стремление к увлекательному повествованию, лирическое земное чувство нашли яркое выражение в произведениях Фра Филиппо Липпи (1406—69), монаха ордена кармелитов. Обаятельный мастер, автор многих алтарных композиций, среди которых лучшей считается картина «Поклонение Младенцу», созданная для капеллы в палаццо Медичи — Риккарди, Филиппо Липпи сумел передать в них человеческую теплоту и поэтическую любовь к природе.
         В середине XV в. живопись Центральной Италии пережила бурный расцвет, ярким примером которого может служить творчество Пьеро делла Франческа (1420—92), крупнейшего художника и теоретика искусства эпохи Возрождения. Самое замечательное творение Пьеро делла Франческа — цикл фресок в церкви Сан-Франческо в Ареццо, в основу которых положена легенда о Животворящем древе креста. Расположенные в три яруса фрески прослеживают историю животворящего креста от самого начала, когда из семени райского дерева познания добра и зла на могиле Адама произрастает священное дерево («Смерть Адама») и до конца, когда византийский император Ираклий торжественно возвращает христианскую реликвию в Иерусалим («Битва между Ираклием и Хосроем»). Творчество Пьеро делла Франческа вышло за пределы местных живописных школ и определило развитие итальянского искусства в целом.
         Во второй половине XV столетия в Северной Италии в городах Вероне, Ферраре, Венеции работали многие талантливые мастера. Среди живописцев этого времени наиболее знаменит Андреа Мантенья (1431—1506) — мастер станковой и монументальной живописи, рисовальщик и гравер, скульптор и архитектор. Живописная манера художника отличается чеканностью форм и рисунка, строгостью и правдивостью обобщенных образов. Благодаря пространственной глубине и скульптурности фигур Мантенья достигает впечатления застывшей на мгновенье реальной сцены — настолько объемно и естественно выглядят его персонажи. Большую часть жизни Мантенья прожил в Мантуе, где создал самое известное свое произведение — роспись «Камеры дельи Спози» в загородном замке маркиза Л. Гонзага. Одними лишь средствами живописи он создал здесь роскошный ренессансный интерьер, место для торжественных приемов и праздников. Пользовавшееся огромной известностью искусство Мантеньи оказало влияние на всю северо-итальянскую живопись.
         К концу XV столетия в Италии выдвинулись и другие крупные центры искусства; тем не менее Флоренции принадлежала ведущая роль в утверждении аристократически изысканного художественного образа, связанного с мифологической или литературной основой и в значительной мере предназначенного для ценителей и знатоков.
         Особое место в живописи Раннего Возрождения принадлежит Сандро Боттичелли (1445—1510), современнику Леонардо да Винчи и молодого Микеланджело. Изысканное искусство Боттичелли с элементами стилизации (т.е. обобщения изображений с помощью условных приемов — упрощения цвета, формы и объема) пользовалось большим успехом в кругу образованных флорентийцев. В основе искусства Боттичелли в отличие от большинства мастеров Раннего Возрождения лежало личное переживание. Среди множества картин, созданных Боттичелли, есть несколько прекраснейших творений мировой живописи («Рождение Венеры», «Весна»). Исключительно чуткий и искренний, Боттичелли прошел сложный и трагический путь творческих исканий — от поэтического восприятия мира в юности до мистицизма и религиозной экзальтации в зрелом возрасте.

Высокое Возрождение


         Высокое Возрождение, которое дало человечеству таких великих мастеров, как Леонардо да Винчи, Рафаэль, Микеланджело, Джорджоне, Тициан, Браманте, охватывает сравнительно короткий период времени — конец XV и первую треть XVI вв. Только в Венеции расцвет искусства продолжался до середины столетия.
         Коренные сдвиги, связанные с решающими событиями мировой истории, успехами передовой научной мысли, бесконечно расширили представления людей о мире — не только о земле, но и о космосе. Восприятие мира и человеческой личности как будто укрупнилось; в художественном творчестве это отразилось не только в величественных масштабах архитектурных сооружений, монументов, торжественных фресковых циклов и картин, но и в их содержании, выразительности образов. Изобразительный язык, который в эпоху Раннего Возрождения, по определению некоторых исследователей, мог показаться слишком «болтливым», стал обобщенным и сдержанным. Искусство Высокого Возрождения представляет собой живой и сложный художественный процесс с ослепительно яркими взлетами и последующим кризисом.

Архитектура
         Центром архитектуры Высокого Возрождения стал Рим, где на базе предшествующих открытий и успехов сложился единый классический стиль. Мастера творчески использовали античную ордерную систему, создавая сооружения, величественная монументальность которых была созвучна эпохе. Крупнейшим представителем архитектуры Высокого Возрождения стал Донато Браманте (1444—1514). Постройки Браманте отличаются монументальностью и величием, гармоничным совершенством пропорций, цельностью и ясностью композиционных и пространственных решений, свободным, творческим использованием классических форм. Наивысшим творческим достижением Браманте является реконструкция Ватикана (зодчий фактически создал новое сооружение, органически включив в него разрозненные старые строения). Браманте принадлежит также авторство проекта собора Св. Петра в Риме. Своим творчеством Браманте определил пути развития архитектуры XVI в.

Живопись
         В истории человечества нелегко найти другую столь же гениальную личность, как основатель искусства Высокого Возрождения Леонардо да Винчи (1452—1519). Всеобъемлющий характер деятельности этого великого художника, скульптора, архитектора, ученого и инженера стал ясен только тогда, когда были исследованы разрозненные рукописи из его наследия, насчитывающие свыше семи тысяч листов, содержащих научные и архитектурные проекты, изобретения и зарисовки. Как ученый и инженер Леонардо обогатил практически все области научного знания: анатомию, физиологию, ботанику, палеонтологию, картографию, геологию, химию, аэронавтику, оптику, механику, астрономию, гидравлику, акустику, математику. Трудно назвать ту область знаний, которой бы не коснулся его гений. В своем знаменитом «Трактате о живописи» (1498) и других записях Леонардо уделил большое внимание изучению человеческого тела, сведениям по анатомии, пропорциям, зависимости между движениями, мимикой и эмоциональным состоянием человека. Леонардо занимали также проблемы светотени, объемной моделировки, линейной и воздушной перспективы. Леонардо отдал дань не только теории искусства. Он создал целый ряд великолепных алтарных образов и портретов (т.н. «Мадонна Литта»). Кисти Леонардо принадлежит одно из самых прославленных произведений мировой живописи — «Мона Лиза» (Джоконда). Леонардо создавал монументальные скульптурные образы, проектировал и строил архитектурные сооружения. Леонардо по сей день остается одной из самых харизматических личностей эпохи Возрождения. Ему посвящено огромное количество книг и статей, подробнейшим образом изучена его жизнь. И тем не менее многое в его творчестве остается загадочным и продолжает будоражить умы людей. Универсализм Леонардо настолько непостижим, что Вазари не смог объяснить этот феномен иначе, как вмешательством небес: «К чему бы ни обратился этот человек, каждое его действие носит печать божественности», — так писал знаменитый биограф о великом Леонардо да Винчи.
         Искусство Рафаэля Санти (1483—1520) также принадлежит к вершинам итальянского Возрождения. С творчеством Рафаэля в истории мирового искусства связывается представление о возвышенной красоте и гармонии. Принято считать, что в созвездии гениальных мастеров Высокого Возрождения, в котором Леонардо да Винчи олицетворял интеллект, а Микеланджело — мощь, именно Рафаэль был главным носителем гармонии. Конечно, в той или иной степени каждый из них обладал всеми этими качествами. Несомненно, однако, что неустанное стремление к светлому совершенному началу пронизывает все творчество Рафаэля, составляет его внутренний смысл. Его работы необыкновенно привлекательны в своем естественном изяществе («Сикстинская мадонна»). Может быть, поэтому мастер приобрел такую необычайную популярность у публики и имел множество последователей среди художников во все времена. Рафаэль был не только изумительным живописцем, портретистом, но также и монументалистом, работавшим в технике фрески, архитектором, мастером декора. Все эти дарования с особой силой проявились в его росписях апартаментов папы Юлия II в Ватикане («Афинская школа»). В искусстве гениального художника родился новый образ человека эпохи Возрождения — прекрасного, гармоничного, совершенного физически и духовно («Портрет Б. Кастильоне»).
         Современником Леонардо да Винчи и Рафаэля был их вечный соперник — Микеланджело Буонарроти, величайший мастер Высокого Возрождения — ваятель, живописец, архитектор и поэт. Свой творческий путь этот титан Возрождения начал со скульптуры. Его колоссальные статуи стали символом нового человека — героя и борца («Давид»). Мастер возвел немало архитектурно-скульптурных сооружений, самое знаменитое из которых — капелла Медичи во Флоренции. Великолепие этих произведений строится на колоссальном напряжении чувств персонажей (Саркофаг Джулиано Медичи). Но особенно знамениты росписи Микеланджело в Ватикане, в Сикстинской капелле, в которых он проявил себя как гениальный живописец. Пожалуй, никто в мировом искусстве, ни до ни после Микеланджело, не создавал таких сильных телом и духом персонажей («Сотворение Адама»). Огромная, невероятно сложная по исполнению фреска на потолке была выполнена художником в одиночку, без помощников; она и по сей день остается непревзойденным монументальным произведением итальянской живописи. Но кроме росписей плафона Сикстинской капеллы, мастер, уже в старости, создал яростно-вдохновенный «Страшный суд» — символ крушения идеалов своей великой эпохи. Тем не менее Микеланджело всегда боготворил красоту человека, какие бы роковые и трагические страницы жизни ни определяли содержание творений этого гения. Микеланджело много и плодотворно работал в архитектуре, в частности, руководил строительством собора Св. Петра и ансамбля площади Капитолия в Риме. Творчество великого Микеланджело составило целую эпоху и далеко опередило свое время, оно сыграло колоссальную роль в мировом искусстве, в частности, оказало влияние на формирование принципов барокко.
         В историю искусства Высокого Возрождения яркую страницу вписала Венеция, где этот период продолжался до середины XVI в. Особое великолепие город приобрел после перестройки его центра учеником Браманте Якопо Сансовино (1486—1570). Напротив Дворца дожей он воздвиг монументальную библиотеку Сан-Марко с ажурным фасадом, органично связав ее с ансамблем площади. У подножия колокольни собора Сан-Марко мастер построил небольшое изящное здание — Лоджетту, а в 1532—37 гг. на Большом канале — нарядное палаццо Корнер делла Ка-Гранде. Наивысшего расцвета в XVI в. достигла венецианская живопись с ее богатыми традициями, созданными мастерами предшествующего столетия, и в первую очередь поэтически-созерцательным творчеством Джованни Беллини, учителя великих мастеров Джорджоне и Тициана. Джорджоне считается первым мастером Высокого Возрождения в Венеции. Его искусство совершенно особое. В нем царит дух ясной гармонии и какой-то особенной интимной созерцательности и мечтательности. Этот венецианец умел передать настроение сцены, ее едва уловимое, подобное чудному сну, абсолютное безмолвие. Он часто писал восхитительных красавиц, настоящих богинь. Обычно это поэтический вымысел — воплощение несбыточной мечты, преклонение перед романтическим чувством и прекрасной женщиной. В его картинах таится намек на чувственную страсть, на сладостное наслаждение, на неземное счастье. Утонченный гедонизм стал важной темой его живописи. С искусством Джорджоне венецианская живопись приобрела общеитальянское значение, утвердив свои художественные особенности.
         Тициан вошел в историю итальянского искусства как титан и глава венецианской школы, как символ ее расцвета. В творчестве этого художника с особой силой проявилось дыхание новой эпохи — бурной, трагической, чувственной. Творчество Тициана отличается исключительно широким и разносторонним охватом типов и жанров живописи. Тициан явился одним из основоположников монументальной алтарной картины, пейзажа как самостоятельного жанра, различных типов портрета, в том числе и торжественно-парадного. В его творчестве идеальные образы соседствуют с яркими характерами, трагические конфликты — со сценами ликующей радости, религиозные композиции — с мифологическими и историческими картинами. Тициан принадлежит к величайшим колористам мировой живописи. Его картины сияют золотом и сложной гаммой вибрирующих светоносных полутонов цвета. Тициан выработал новую живописную технику, оказавшую исключительное влияние на дальнейшее, вплоть до XX в., развитие мирового изобразительного искусства. Могучий темперамент и яркая творческая индивидуальность Тициана проявились уже в ранних его работах, насыщенных кипучей жизнью, сверкающей красотой, богатством духовного содержания, глубиной эмоциональных переживаний. Тициан, проживший почти столетие, пережил крушение ренессансных идеалов, творчество мастера наполовину принадлежит эпохе Позднего Возрождения. Его герой, вступающий в борьбу с враждебными силами, погибает, но сохраняет свое величие. Влияние большой мастерской Тициана сказалось на всем венецианском искусстве.

Позднее Возрождение


         Во второй половине XVI в. в Италии нарастал упадок экономики и торговли, католицизм вступил в борьбу с гуманистической культурой, искусство переживало глубокий кризис. В нем укреплялись антиренессансные антиклассические тенденции, воплотившиеся в маньеризме (см. ниже). Однако маньеризм почти не затронул Венецию, которая во второй половине XVI столетия стала главным очагом позднеренессансного искусства. Хотя торговое и политическое значение Венецианской республики неуклонно падало, как и ее могущество, Город Лагун по-прежнему был свободен и от власти папы римского, и от иноземного владычества, а накопленные им богатства были огромны. В этот период уклад жизни Венеции и характер ее культуры отличались таким размахом и великолепием, что, казалось, ничто не предвещало заката слабеющего Венецианского государства. В русле высокой гуманистической ренессансной традиции в новых исторических условиях в Венеции развивалось обогащенное новыми формами творчество великих мастеров Позднего Возрождения — Палладио, Веронезе, Тинторетто.

Архитектура
         Творчество северо-итальянского архитектора Андреа Палладио (1508—80), основанное на глубоком изучении античной и ренессансной архитектуры, представляет собой одну из вершин в искусстве Позднего Возрождения. Палладио выработал принципы зодчества, которые были развиты в архитектуре европейского классицизма XVII—XVIII вв. и получили название палладианства. Свои идеи зодчий изложил в теоретическом труде «Четыре книги об архитектуре» (1570). Постройки Палладио (преимущественно городские дворцы и виллы) исполнены изящной красоты и естественности, гармоничной завершенности и строгой упорядоченности, отличаются ясностью и целесообразностью планировки и органической связью с окружающей средой (палаццо Кьерикати). Умение гармонически связать архитектуру с окружающим ландшафтом с особой силой проявилось в виллах Палладио, проникнутых элегически-просветленным чувством природы и отмеченных классической ясностью и простотой форм и композиции (вилла Капра (Ротонда)). Палладио создал первое монументальное театральное здание в Италии — театр Олимпико. Влияние Палладио на развитие архитектуры последующих веков было огромным.

Живопись
         Праздничный, жизнеутверждающий характер венецианского Возрождения наиболее ярко проявился в творчестве Паоло Веронезе. Художник-монументалист, он создал великолепные декоративные ансамбли стенных и плафонных росписей с множеством персонажей и занимательных деталей. Его росписи виллы Барбаро-Вольпи в Мазере стали одним из крупнейших достижений монументально-декоративной живописи. Художник огромного дарования, Веронезе создал собственный стиль: его зрелищные, эффектные картины полны эмоций, страсти и жизни, а герои, венецианская знать, располагаются обычно в патрицианских дворцах или на фоне роскошной природы. Они увлечены грандиозными пиршествами или феерическими празднествами («Брак в Кане»). Веронезе был мастером веселящейся Венеции, ее триумфов, поэтом ее золотого блеска. Веронезе обладал исключительным даром колориста. Его краски пронизаны светом, интенсивны и не просто наделяют предметы цветом, а сами претворяются в предмет, превращаясь в облака, ткань, тело человека. В силу этого реальная красота фигур и предметов множится на красоту цвета и фактуры, что производит на зрителя сильнейшее эмоциональное воздействие.
         Полной противоположностью Веронезе был его современник Тинторетто (1518—94) — последний крупный мастер итальянского Возрождения. Обилие внешних художественных воздействий растворилось в неповторимой творческой индивидуальности Тинторетто. В своем творчестве он был гигантской фигурой, творцом вулканического темперамента, бурных страстей и героического накала. Вслед за поздним Микеланджело и Тицианом Тинторетто проложил новые пути в искусстве. Недаром его творчество имело грандиозный успех и у современников, и у последующих поколений. Тинторетто отличался поистине нечеловеческой трудоспособностью, неутомимостью исканий. Он острее и глубже, чем большинство его современников, чувствовал трагизм своего времени. Мастер восстал против сложившихся традиций в изобразительном искусстве — соблюдения симметрии, строгого равновесия, статичности; расширил границы пространства, насытил его динамикой, драматичным действием, стал ярче выражать человеческие чувства. Тинторетто — создатель массовых сцен, проникнутых единством переживания.
         В Венеции из-за климатических условий для украшения зданий использовали не фрески, а огромные картины, написанные в технике масляной живописи. Тинторетто — мастер монументальных полотен, автор гигантского ансамбля, состоявшего из нескольких десятков работ — росписей верхнего и нижнего залов Скуола ди Сан-Рокко («Распятие»).
         Творчество Тинторетто завершает развитие художественной культуры Возрождения в Италии.

Искусство маньеризма


         Маньеризмом называется течение в европейском искусстве XVI в. Оно происходит от итальянского слова maniera — «манера», «прием», «художественный почерк». Впервые этот термин появился в европейском искусствоведении в 20-х гг. XX в., исследование же маньеризма породило обширную научную литературу со спорными оценками и точками зрения.
         Маньеризм в своем наиболее общем выражении обозначает антиклассическое течение, сложившееся в Италии около 1520 г. и развивавшееся вплоть до 1590 г. Искусство маньеризма отходит от ренессансных идеалов гармонического восприятия человека, который оказывается во власти сверхъестественных сил. Мир предстает неустойчивым, шатким, находящимся в состоянии распада. Образы маньеризма полны тревоги, беспокойства, напряженности; художник удаляется от натуры, стремится ее превзойти, следуя в своем творчестве субъективной «внутренней идее», основой которой является не реальный мир, а творческое воображение; средством же исполнения служит «прекрасная манера» как сумма определенных приемов. Среди них — произвольная вытянутость фигур, сложный змеевидный ритм, нереальность фантастического пространства и света, подчас холодные пронзительные краски.
         Первый этап итальянского маньеризма охватывает 20-40-е гг. XVI в.и представляет собой сравнительно узкое течение, наиболее ярко воплотившееся в живописи. Самым крупным и одаренным мастером маньеризма, живописцем сложной творческой судьбы был Якопо Понтормо (1494—1556). В его известной картине «Снятие со креста» композиция неустойчива, фигуры вычурно изломаны, светлые краски резки.
         Первое поколение маньеристов завершает Франческо Маццола, прозванный Пармиджанино (1503—40), один из ведущих представителей маньеризма в Италии, изощренный мастер и блестящий рисовальщик. Пармиджанино любил поразить зрителя: например, написал свой «Автопортрет в выпуклом зеркале». Намеренная нарочитость отличает его знаменитую картину «Мадонна с длинной шеей».
         Второй этап маньеризма (1540—90) превращается в Италии в широкое течение, охватывающее живопись, скульптуру и архитектуру. Маньеризм становится придворно-аристократическим искусством, которое первоначально развивается в герцогствах Пармы, Мантуи, Феррары, Модены, а затем утверждается во Флоренции и Риме.
         В произведениях живописи нарастают бездушная холодность и вычурность приемов; постепенно картины становятся похожими на декоративные панно, предназначенные для украшения стен. Самый крупный мастер этого периода — придворный художник Медичи Аньоло Бронзино (1503—72), особенно известный своими парадными портретами. В них отозвалась эпоха кровавых злодеяний и нравственного падения, охватившего высшие круги итальянского общества. Знатные заказчики Бронзино как бы отделены от зрителя невидимым расстоянием; застылость их поз, бесстрастие лиц, богатство одежд, жесты прекрасных парадных рук — все это словно внешняя оболочка, скрывающая внутреннюю ущербную жизнь. В портрете Элеоноры Толедской с сыном (ок. 1545) недоступность холодного, отчужденного образа усилена тем, что внимание зрителя полностью поглощено плоским крупным узором великолепной парчовой одежды герцогини.
         Созданный маньеризмом тип придворного портрета оказал влияние на портретное искусство XVI—XVII вв. во многих других странах Европы, где он обычно развивался на живой, здоровой, подчас более прозаичной местной основе.
         Искусство маньеризма было переходным: уходила в прошлое эпоха Возрождения, наступало время нового всеевропейского художественного стиля — барокко.

Мировая художественная культура XIII в. XIV в. XV в. XVI в.
Литература XIII в. XIV в. XV в. XVI в.
Музыка XIII в. XIV в. XV в. XVI в.
История XIII в. XIV в. XV в. XVI в.

« вернуться

версия для печати  

Rambler's Top100 Союз образовательных сайтов

Российский общеобразовательный портал - Лауреат Премии Правительства РФ в области образования за 2008 год
Обратная связь
© INTmedia.ru


Разработка сайта: Metric
Хостинг на Parking.ru
CMS: Optimizer